▎Horizon Dreams of Color

“Horizon Dreams of Color” - THE CLUB’s second exhibition in Taipei featuring Naoya Inose, Yojiro Imasaka, Masakatsu Kondo, and Mayuko Ose. Continuing from our first pop-up exhibition Evanescent Horizon, THE CLUB would like to continue introducing various talents from Japan. Horizon Dreams of Color wants to take viewers into four different realms of colors by putting these four artists together. Although all the four artists have their roots in Japan, their backgrounds vary and so do their approaches to one of the significant medium in art “colors”.

三個問題＆五個關鍵字

展覽題目「a picture of a picture」來自於美國藝術家、詩人 Jesse Murry 1984年的文章《The Three Levels of Content: An Intuitive Approach to Teaching How Paintings Mean》，文中他提及在大學藝術系所指導繪畫的經驗—「繪畫的意義」該怎麼體現？技法訓練之外，一張畫作可能溝通什麼訊息？他於是設計了一系列遊戲，讓學生從以下三個問題展開對繪畫圖像的思考：

「這是一個圖像」(This is a picture.)

「這是一個關於＿＿＿的圖像」(This is a picture of ______.)

「這是一個圖像，它說明著一個內容關於＿＿＿的圖像」(This is a picture of a picture.)

這三個彼此獨立的問題，牽引出觀看的不同層次，並揭示「繪畫」作為人造圖像，如何承載著創作者的表達慾望。在三個問題的引導下，或許，我們可以嘗試透過下述五個關鍵字切入對繪畫創作的理解：

# 空間

齊簡此次的作品《後花園》，便是從繪畫在公共關係中的觀看展開，對創作者而言，「畫」是私密的內在領地，然而畫作完成後的「被看」卻也如同創作的先決設定，他者終究會顯現並成為作品的一部分。擺盪在公與私之間的向內探索與對外表演，讓畫布的空間形成了齊簡的提問，當他以台灣傳統市集購入的花布作為繪畫物件覆以大片顏料、並讓戰機以拼貼方式介入平面時，觀者能否判斷哪些是「畫」、哪些是「印」？當畫布空間凌駕於內容成為作品的主體時，一件作品中的訊息，真的能被觀看者接收嗎？又，一張繪畫是否能宣稱其自主性—花布只是花布、顏料只是顏料、小飛機只是小飛機？

# 製圖

刻意以黑灰白人物肖像作為其標誌的鍾嘉駿，稱自己的創作是「製圖」的過程。有別於強調自動書寫的創作者，鍾嘉駿畫畫的過程非常理性，他大量使用紙膠佈局，以壓克力顏料建構縝密、充滿符號的畫面，並刻意以平滑的筆觸避開感性訊息，試著在刻意為之的勞動中觸及現代社會的身體經驗。「畫畫」往往被認定為極具個人體感的表達手段，但鍾嘉駿反之以大量的創作框架掌控作品，並讓自己的作品圖像化，藉以表現個體如何被鑲嵌在社會龐大的體制裡，依賴規則而存在，成為繽紛世界下扁平的表面。

# 表演

出生於台灣，長時間居住、創作於紐約的曾采翎，透過繪畫探索自身與他人、社會的連結。身為在西方受教育、工作的創作者，身份認同一直是不可迴避的課題，在嘗試多元媒材後，曾采翎回到油畫，一個擁有悠長西方傳統、也最直接連結心手腦的媒材，試圖從中建立自己與世界溝通的語彙。她以鮮豔、對比的色彩作為語言，透過大量螢光黃與紅所交會的光，建構出身為亞裔女性的現實，畫布是舞台，顏料是表演，這些繪畫遊走在肖像與想像之間，成為了藝術家自身在他處的再現。生命有其衝突矛盾，她並不消極應對，而是以繪畫重返當下，在顏料的堆疊中來回凝視，進而描繪出自我存在的面貌。

# 行動

對楊立而言，繪畫不僅為表達的手段之一，它同時是創作的命題。秉持這個信念，楊立著手推動「繪畫獨立運動」，主張繪畫應擺脫自身於「藝術」中的附庸地位，回返更自主的討論場域。楊立以繪畫作為思考載體，大量嘗試不同的繪畫方法、題材、風格，其作品中看似明快鬆散的筆法，都是思考後的堆疊與佈局。為避免自己進入機械生產的模式中，他寫生、也畫幻象、更編造故事，此次展出的「大確幸」系列，即是楊立擷取自日常生活中美好片刻的圖像，他以噴槍、平刷等不同技法創作，以視覺召喚感官知覺，對他而言，繪畫是無時無刻的事，畫家的眼睛每一刻都在捕捉、想像並再現世界之於藝術家最真實的樣貌。

# 無效

長時間以來，鄭帛囪維持著畫畫的習慣，時常帶著畫袋與便條紙出門，在平日習慣的咖啡廳隨筆畫畫，以極其簡單的裝備隨興所至畫下日常所見與觀察。他的繪畫有如個人的日記速寫，沒有主題，遊走在抽象與具象之間，脈絡自筆觸中長出，透露著存在的境況。他不為創作說明，畫在便條紙上的作品全數命名《無題》，這樣的尺寸與無所指涉，象徵著創作者對藝術無目的性的堅持以及對詮釋空間的開放。他的畫面中偶爾有隨手記下的風景、偶爾有難以辨識的人物，這些人事物自然而然地共構了一個整體，揭示藝術家如何寄望其手足心靈於繪畫的平面中，讓圖像成為純粹的境地，紀錄著覺知發生的片刻。

這五個關鍵字，並不企圖定義作品，而是試著作為索引，將五位藝術家的作品置入上述三個問題，提示一種觀看路徑：當我們看到一個圖像時，除了畫面的美感表現，我們是否能從個體的視角與經驗中，想像一個藝術家「如何」走到他們的位置，在抽象、具體、再現、指涉、自我指涉、不具指涉性等種種思維中，做出各自的繪畫選擇？我們能否透過想像這些問題，進而對繪畫產生不同的覺知？

此次展覽的五位藝術家創作脈絡、背景關注各自不同，他們唯一的連結僅僅是「繪畫」此一廣泛命題，然而這樣的無相關性，恰恰是此展覽期待的對話空間 — 五個創作者被放在一起，有如圖像在大眾媒體中被隨機推送，在這樣的場域中我們可以如何觀看？我們觀看的是畫作、還是展覽？一張畫象徵著創作者想像與現實的集合，然而它也是圖像，其最終的意義由觀者共同參與完成，此展覽期望觀者看見五位藝術家相異的創作觀點之餘，也對繪畫有更一步的感官探索，而這也許會為繪畫開啟不同的起點。

▎Information

Public Days：2022/01/15 Sat. - 2022/03/13 Sun.

Time：12:00 - 20:00 (Closed on Monday)

Venue：LIGHTWELL 2F-3F  (No. 6-1, Ln. 20, Sec. 2, Zhongshan N. Rd., Zhongshan Dist., Taipei City)

Ticket：TWD 150

How to buy a ticket：Ticket window、Online

▎ 導覽資訊

▎Artists

齊簡 

1974年生於臺灣臺北，畢業於國立臺灣藝術大學造形藝術研究所，現生活與創作於臺北。

齊簡的創作包括繪畫及空間裝置，關注對象涉及展呈作品自身存在的場域，以及觀眾如何身歷藝術機制的運作中。齊簡認為，創作是創作者成為觀者的過程，「做」只為了「看」，「看」本身就是觀看作品時的二元中心，他想把「看」本身的複雜性與創造性具體呈現。齊簡曾於不同國家如台灣、香港、新加坡等舉辦個展，作品曾多次獲獎，包含高雄獎首獎、台北美術獎入選與台新獎提名等；作品為高雄市立美術館與台灣藝術銀行典藏。

鄭帛囪

1982年生於臺北， 畢業於國立臺北藝術大學美術系，現生活與工作於臺北。

鄭帛囪的繪畫有如個人生活的隨筆書寫，他時常帶著畫袋與便條紙出門，以極其簡單的裝備隨興所至畫下日常所見與觀察。鄭帛囪的作品尺寸皆小，全數命名「無題」，對他而言，這樣的尺寸與無所命題象徵著創作者對詮釋的開放，以及對藝術無目的性的堅持。其風格游移在抽象與半具像之間，偶爾是隨手記下的風景、偶爾有難以辨識的人物，然而人事物卻像一個整體，揭示著藝術家對生命的想像與探尋。

鍾嘉駿

1992年出生於台灣，畢業於東海大學美術系。

鍾嘉駿的創作形式為平面複合媒材，以黑灰白人物肖像做為標誌性符號。其擅長在畫布空間內活用並集合不同的繪畫風格，透過壓克力、蠟筆與炭筆等繪畫媒材呈現不同空間，並以立體派風格的素描、超現實主義般的符號佈局，以及極簡硬邊的扁平色塊召喚平面性，表現內藏於生命與自我意識中的解離、荒謬與疏離感。2020年入選繪畫組高雄獎。近年在台灣、法國、黎巴嫩等地展出。

曾采翎

1991年生於臺灣臺北，畢業於與紐約視覺藝術學院（學士）與芝加哥藝術學院藝術創作（碩士），現生活與創作於紐約，並在羅德島設計學院教書。

曾采翎擅長透過繪畫捕捉生活關切的事物，並透過創作將個體經驗轉化為敘事性圖像。身為台灣人，在紐約使用西方傳統悠久的油畫顏料作為創作媒介，即是她建構自我身份認同的過程，除了媒材史之於一個台灣當代藝術家的意義外，媒材本身的可疊加特質也體現藝術家在繪畫中面對不確定性的思索—對曾采翎而言，從媒材的選擇到畫面的完成，都是對繪畫的探索與實踐。曾獲獎項包含NYSCA/NYFA Artist Fellowship Finalist (2021)、Shandaken: Paint School Fellowship (2020)、Hopper’s Prize Finalist (2019)、Carrie Ellen Tuttle Fellowship(2018)等。近年在紐約、香港、倫敦等地展出。

楊立

1993出生於台北， 畢業於自法國凡爾賽美術學院，2020年獲得台北美術入選獎。

對楊立而言，繪畫不只是表達自我的方式之一，它同時是創作的目的，秉持此信念，楊立著手推動「繪畫獨立運動」，主張繪畫應擺脫在「藝術」中的附庸地位，進而尋求更獨立自主的討論場域。楊立視繪畫為冒險，大膽嘗試未畫之物、開發新的畫法，避免批量生產的創作方法，他認為，儘管強烈的風格可以讓觀眾對作品留下印象，卻不應成為創作者停留的原因，透過繪畫，他不斷進發，期許前往前人未曾涉足的遠方。

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▎ About THE CLUB

THE CLUB founded by Yukako Yamashita in 2017 is dedicated to presenting diverse perspectives to the Japanese art scene and aims to be a bridge between the Eastern and Western art worlds.
 
THE CLUB hopes to fulfill its role to support young Japanese artists to move towards the international stage through practical actions, as well as becoming a community that brings new discoveries and opens discussions to enjoy art in all its wonders.

▎觀展注意事項